Cannes Film Festival 2022: Die besten Filme (Verbrechen der Zukunft, Armageddon Time und mehr)

Filmfestival von Cannes 2022: Die besten Filme (Crimes Of The Future, Armageddon Time) + Sonstiges. Hier ist eine Liste mit 12 Premieren, die höchstwahrscheinlich im sonnigen Südfrankreich gedreht werden.

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Zeit des Armageddon

Bild: Focus Features/Courtesy Everett Collection

Nachdem er in Ad Astra das Thema Vaterschaft an den Rand des Kosmos gedrängt hat, bringt James Gray seine Beschäftigung mit Vätern und Söhnen auf eine geerdete und unmittelbar persönliche Ebene, indem er das New York seiner Kindheit in diesem bewegenden Werk fiktionalisierter Memoiren wieder aufleben lässt - sein bester Film seit wer weiß wie langer Zeit. Paul Graff, ein jüdischer Teenager, wird von Michael Banks Repeta gespielt. Er träumt davon, mit seinen Fähigkeiten als Raketenbauer ein Star der Kunstwelt zu werden. Doch die Realitäten des täglichen Lebens sind zu viel für ihn: Anthony Hopkins' geliebter Großvater, Anne Hathaway, der gesundheitlich angeschlagen ist und auf eine Privatschule versetzt wird. Gray gibt dem Ganzen noch einen Feinschliff. Gray und sein Team haben eine Nachbildung seines Hauses aus alten Fotos und Heimvideos gebaut. Das ist sogar noch berührender als seine herzzerreißenden Monologe. Es ist, als würde man in die Erinnerungen eines anderen Menschen blicken.

Gray hingegen sieht sein Mini-Ich und seine Entscheidungen mit den Augen eines Erwachsenen. Der moralische Kern des Films betrifft die Klasse - wie sie sich auf Paul in einer Weise auswirkt, die er nicht verstehen kann, und auf seine Eltern in einer Weise, die sie lieber ignorieren oder wegrationalisieren würden. Paul und Jaylin Webb sind Freunde, die unschuldig scheinen, bis sie sich in einer völlig anderen Situation wiederfinden. Grays schlechtes Gewissen macht deutlich, dass er die Freundschaft der beiden nicht tatenlos hinnimmt. Die Eltern versuchen ständig, ihre Überzeugungen mit ihren Handlungen in Einklang zu bringen, indem sie die öffentliche Schule, die sie nicht mögen, verlassen und auf die Menschen, die sie unterstützen, herabsehen. Gray ist nicht bereit, die Unzulänglichkeiten seiner Vergangenheit zu akzeptieren. Diese Ehrlichkeit führt zu schönen Wahrheiten in jedem Bild von Grays scharf beobachteter Reise in die Vergangenheit.

"Verbrechen der Zukunft"

Bild: Everett Collection

David Cronenbergs grandiose Rückkehr in sein Reich des Körperhorrors fühlt sich wie ein Comeback im weiteren Sinne an - ein großer Künstler, der vom Olymp herabgestiegen ist, um all den Fälschern und Angebern zu zeigen, wie man es macht. Viggo Mortensen und Léa Seydoux spielen die Hauptrollen eines Performance-Paares mit einem grausigen Auftritt: Sie bedient die Fernsteuerung einer Operationsmaschine und öffnet ihn vor einer Menge von Zuschauern in Kitteln und Smokings, um ihm die schrecklichen neuen Organe zu entfernen, die durch das Beschleunigte-Evolution-Syndrom seines Körpers entstanden sind. Cronenbergs Film ist Cronenbergs erster Film über Künstler. Es ist sowohl faszinierend als auch befriedigend für ihn, seine Sicht auf die Welt und ihre aktuelle Verkommenheit auf seine Figuren zu projizieren. Er ist ein aufstrebender "Ear Man", ein Mann, der aufgrund seiner vielen transplantierten Ohren kaum hören kann. Cronenbergs erster Film über Künstler in einem nicht-metaphorischen Sinn. Er spielt die Rolle eines Nachahmers, der Klone verkauft.

Cronenberg ist immer noch ein großartiger Filmemacher, auch wenn er seit acht Jahren von der Bildfläche verschwunden ist. Cronenbergs Methoden werden immer bizarrer und entsprechen immer weniger der Genre-Nische, als die ihn viele Fans sehen wollen. Jeder (vor allem die kichernde Timlin, gespielt von Kristen Stewart) spricht in barocken Schlagwörtern oder Theorieabschnitten; "Infektionen - was ist mit ihnen geschehen?" ist ein fester Favorit. Die Kinematographie hat einen unnatürlich plastischen Anti-Glanz, der zu einem Film passt, der mit einem Kind beginnt, das aus einem Papierkorb isst. Die Welt von morgen ist sowohl körperlich als auch geistig schlecht ernährt. Sie besteht aus verrosteten Booten, einem griechischen Strand und synthetischen Lebensmitteln als letzter Nahrungsquelle. Obwohl es erstaunlich ist, dass Cronenberg dieses Drehbuch noch vor dem Erscheinen des Guardian-Artikels über Mikroplastik schreiben konnte, werden seine Prophezeiungen nur noch deutlicher, während die Erde in ihre letzten Jahre schlittert. Cronenberg hingegen könnte ewig weitermachen.

"De Humani Corporis Fabrica" (Das Gewebe des menschlichen Körpers)

Foto: Festival de Cannes

Dieser Dokumentarfilm des Harvard Sensory Ethnography Lab untersucht den Körper und sein erschreckendes Potenzial, sich auf unerwartete und beunruhigende Weise zu verhalten. Es ist ein Blick in die schleimigen und matschigen Welten, die wir alle täglich als selbstverständlich ansehen. Die Regisseure Véréna Paravel und Lucien Castaing-Taylor förderten die Entwicklung neuer Mikrokameras, die in der Lage sind, detailgetreue Aufnahmen aus dem Inneren von Dünndärmen und Rektalkammern zu machen, die den Unterschied zwischen reiner Avantgarde-Geometrie und fliehender viszeraler Intensität überwinden. Die Szene, in der ein Metallstab in den Kalaschnikow-Modus versetzt und in das Pissloch eines Mannes gerammt wird, und die Nadelreinigung, bei der der tapfersten Person, die je auf der Erde gelebt hat, der Augapfel aus der Netzhaut geschnitten wird, sind nicht zu übersehen. Es gibt keine bessere Garantie dafür, dass Sie etwas Neues sehen werden als zuvor.

Es gibt mehr als nur eklige Heldentaten. Krankenhäuser funktionieren genau so wie der menschliche Körper. Es gibt viele Organe, die in perfekter Harmonie zusammenarbeiten. Man hört einen Chirurgen, der während einer Prostata-Untersuchung auf seinen Assistenten und Krankenschwestern herumkaut. Dies ist eine Anspielung auf Probleme wie Unterfinanzierung oder Personalmangel, die in Amerika derzeit sehr verbreitet sind. Paravel und Castaing-Taylor interessieren sich mit großen Augen für die grundlegenden Abläufe in diesen großen Institutionen, wobei die spannendste Einstellung aus der Perspektive einer Dokumententransportkapsel stammt, die mit Warpgeschwindigkeit durch das Netz der pneumatischen Röhren, die die Gebäude durchziehen, geschossen wird. Eine abschließende Tanzsequenz - perfekt vertont zu "I Will Survive" - wirkt wie eine Hommage an eine Klasse von Arbeitern, über die der Durchschnittsmensch so viel nachdenkt wie über das unwillkürliche Schlagen des eigenen Herzens, das für den Fortbestand des Lebens so unsichtbar wichtig ist, bis wir innehalten und darüber nachdenken, wie wundersam es ist, dass wir überhaupt weiterleben können.

EO

Foto: Festival de Cannes

EO ist ein Esel und ein guter Junge. Jerzy Skolimowski, ein 84 Jahre alter polnischer Meister, dreht seinen ersten Film seit sieben Jahren. Er folgt der Geschichte dieses störrischen Esels, der durch das ländliche Polen reist und verschiedene Dinge tut. Vor allem aber überlebt er Schwierigkeiten und wird Zeuge ihres Leidens. Wenn das nach einer Parodie auf den europäischen Arthouse-Highbrowismus klingt - schließlich handelt es sich um ein lockeres Remake des Klassikers Au Hasard Balthazar von 1966 -, dann lassen Sie sich von dem steingesichtigen Minimalismus nicht abschrecken. Es ist ein Fest der guten Laune. Die Einstellung, in der die Bäume auf den Kopf gestellt werden, um sie in gespiegelte Wolkenkratzer zu verwandeln, ist atemberaubend. Dieses 88-minütige Meisterwerk ist voller verblüffender Kameratricks mit einer ausdrucksstarken Ader. Es gibt häufige Zwischenspiele mit EDM-artigem Stroboscoping und unkonventionelle Experimente mit der Farbe Rot.

Der Charme des vierbeinigen Stars, gespielt von sechs Tierdarstellern, die in ihrer christlichen, arglosen Reinheit vereint sind, ist nicht zu leugnen. EO frisst eine Karotte. EO ist ein Fußball-Hooligan, der glaubt, es wäre ein guter Sprit, wenn er sich mit Bier und Marihuana vollstopfen würde. EO ist ein Killer! Er wusste, dass es so kommen würde. Ein Geschworenengericht könnte ihn nicht verurteilen. Man kann nicht anders, als EO zu lieben und sich in seine Missgeschicke hineinziehen zu lassen, die er aus der Ferne beobachtet. Der gesamte Film zeigt ein Polen in einer geistigen Krise. Er gipfelt in einem unerwarteten Auftritt von Isabelle Huppert, die die lüsterne Stiefmutter des verstoßenen Priesters spielt. Es ist ebenso einfach, sich in der ruhigen Energie zu entspannen, die von unserem Esel-Helden ausgeht, und in den wunderschönen Naturlandschaften, durch die er uns langsam aber stetig führt. EO für immer.

Gottes Kreaturen

Bild: Festival de Cannes

Paul Mescal hat für seine Arbeit in " Normal People" nicht nur viel Lob von Kritikern, sondern auch von Tausenden von Zuschauern bekommen. Jetzt liefern Anna Rose Holmer (und Saela) mit ihrem ersten Film seit 2016, dem wenig beachteten The Fits, ein überzeugendes Argument für ihre Berühmtheit. Mescal spielt Brian, einen aufstrebenden verlorenen Sohn, der in die irische Fischergemeinde zurückkehrt, die er vor Jahren verlassen hat, um in Australien einen Neuanfang zu machen. Die Mutter, Emily Watson (eines der Highlights des Festivals), überredet ihn, zur Austernernte zurückzukehren, die von der örtlichen Fischfabrik dominiert wird. Er bekommt daraufhin ein paar Fallen zu seiner Verfügung gestellt. Er glaubt, dass er nichts Falsches tun kann, und sie lässt sich auf seinen Plan ein. Diese geringfügige Lockerung ihrer Moralvorstellungen wird zu einem viel größeren Einsatz führen.

Das Schlimmste, was man sagen kann, ist, was als nächstes passiert. Watson glänzt als Watson, der von Zweifeln geplagt wird. Davis und Holmers Darstellung Irlands wird von Shane Crowleys verheerendem Drehbuch und Fodhla Cronin O'Reilly geleitet. Der brodelnde Druck baut sich auf und steigert sich zu einem unkontrollierbaren Niveau, das in einem schockierenden Finale explodiert, bei dem wir uns fragen, wie wir in der gleichen Situation reagieren würden. Wir können uns an der atemberaubenden Kinematographie von Chayse Irvin erfreuen. Er findet in vielen Szenen Lichtquellen in der Nacht und verleiht dem Film einen rustikalen Look im grauen Tageslicht. Seine beste Arbeit ist, wenn er das dunkle, bedrohliche Wasser rund um das Moralstück einfängt. Es ist ein dunkler, leerenähnlicher Blick, der sich ins Unendliche erstreckt, wie die tiefsten Teile der menschlichen Seele, die sich weigert, gezwungen zu werden oder zu verzeihen.

Jagd

Bild: Festival de Cannes

Es wäre nicht dumm von Netflix, sich das Regiedebüt von Lee Jung-jae zu schnappen. Lee Jung-jae ist vor allem für seine Rolle im Blockbuster Squid Game bekannt. Stecken Sie das in Ihre algorithmische Kombinationspfeife, und genießen Sie es! Der Film ist hysterisch explosiv, ehrgeizig, wendungsreich und gewalttätig. Dieses Spionageabenteuer spielt in einer turbulenten Zeit der südkoreanischen Geschichte. Eine Militärdiktatur geht gegen die Demonstranten vor, während im Norden Spannungen zwischen den Feinden aufflammen. Inmitten all dieser Unruhen braut sich innerhalb der koreanischen CIA ein Katz- und Mausspiel zusammen. Der Leiter der Auslandseinheit (Lee Jung-jae) und der Leiter der Inlandseinheit (Jung Woosung) liefern sich ein Rennen, um den Maulwurf im Team des jeweils anderen zu finden.

Die beiden Agenten arbeiten zusammen, um sich in ein Reich der Gottheit zu begeben, während ihre Ermittlungen sie durch eine Reihe von Sackgassen und Ablenkungsmanövern führen, die schließlich zu dem Komplott führen, Präsident Barack Obama zu ermorden. Der Film ist ein ausuferndes, zweieinhalb Stunden langes Epos. Es ist, als ob Lee vertraglich verpflichtet wäre, in jeder Szene mindestens 25 Menschen zu töten. Er inszeniert das Gemetzel in diesen Filmen mit einem altmodischen Know-how. Dazu gehört auch, dass er den Einsatz von CGI gering hält und den Einsatz von Squibs maximiert, die so zahlreich sind, dass sie die Industrie noch viele Jahre im Geschäft halten werden. Das labyrinthische Drehbuch erfordert Ihre volle Aufmerksamkeit. Das ist bei einer so langen Laufzeit eine gewaltige Aufgabe, aber wer sich nicht in den Verwicklungen verheddert, wird trotzdem ein sehr knorriges Spionagebild genießen. Wer sich jedoch verirrt, kann vielleicht noch im Blut baden.

Moonage Daydream

Bild: Everett Collection

Das ist ein wirklich verrückter Film, Mann. Brett Morgens David-Bowie-Dokumentation, die demnächst auf HBO zu sehen sein wird, passt nicht in diese Beschreibung. Er wirkt eher wie eine improvisierte Collage aus Bildern, Referenzen und Zusammenhängen, die sich um die Musiklegende drehen. In den ersten Minuten werden wir mit einer Montage von Clips verwöhnt, die nicht nur Bowie als Art-Rock-Alien zeigen, sondern auch alle Referenzen und Anspielungen, die uns helfen könnten, seine unerklärliche Welt zu verstehen. Neben Einblendungen des "Ashes to Ashes"-Videos oder einer Live-Performance von "All the Young Dudes" können wir Anspielungen auf Stummfilm-Klassiker wie Nosferatu (ein schlaksiger Außenseiter, der von normalen Menschen gefürchtet wird), Metropolis (eine Vision des industriellen deutschen Maximalismus, den Bowie in seiner Berliner Zeit bevorzugte) oder Dr. Mabuse the Gambler (ein weiteres Weimarer Artefakt, über einen Mann, der sein Publikum verzaubern kann) erkennen. Wir können Zusammenhänge herstellen, auch wenn sie wackelig erscheinen. Und wir werden die Erkenntnisse aus den Rorschach-Testergebnissen der Pop-Kultur nutzen, um sie zu verstehen.

Die zugegebenermaßen langen zweieinhalb Stunden des Films werden schnell konventioneller, wenn er vom Experimentellen zum Konventionellen übergeht. Die erste Stunde konzentriert sich auf Bowies Bisexualität und sein Modebewusstsein. Der Rest des Films ist jedoch chronologisch und führt uns durch seine Aufenthalte in Los Angeles und Westdeutschland sowie durch seine Ehe mit Iman (einem anonymen Supermodel) und seine Hinwendung zum Populismus in den 90er Jahren. Seine kokainbedingten Eskapaden werden respektvoll ausgeklammert. Für diejenigen, die mit Bowie nicht vertraut sind, können diese Abschnitte als nützlicher Leitfaden dienen. Sie ermöglichen auch einen Rückblick auf einige seiner berühmtesten Songs. Morgen hat nicht viel über einen Rock-Superstar zu sagen, über den jahrzehntelang ausführlich berichtet wurde. Aber seine Herangehensweise kann durch den locker-assoziativen Blickwinkel, den er wählt, immer wieder neu belebt werden.

'R.M.N.'

Bild: Festival de Cannes

In jedem rumänischen Film geht es darum, wie furchtbar es ist, in Rumänien zu leben und zu arbeiten. Der Gewinner des höchsten Preises des Festivals, Cristian Mungiu (ehemaliger Gewinner der Goldenen Palme), konzentriert sich ausschließlich auf diesen letzten Bereich. Eine kleine Gemeinde in Siebenbürgen wird von Fremdenfeindlichkeit bedroht, als eine Handvoll Sri Lanker in die örtliche Bäckerei kommt, um dort zu arbeiten. Die Einwohner reagieren mit einem Strom rassistischen Bewusstseins, das die Amerikaner wie das Denken der Trumpisten verstehen können. Sie wollen uns all unsere Jobs wegnehmen (die, die keiner von uns machen kann), und sie behaupten auch, dass sie uns ersetzen werden. Eine Bürgerversammlung wird mit Galle überschwemmt. Die Maske der Logik fällt allmählich, als die Einwohner zugeben, dass sie niemanden mehr sehen wollen.

Auch wenn dies nach einer anstrengenden Schinderei klingt, ist das Festival mit so viel intellektuellem Feuerwerk und meisterhafter Kameraführung gefüllt, dass es jeden auf den Beinen hält. Mungiu führt uns durch schneebedeckte Wälder und über unbefestigte Straßen. Er fängt all das mit einer ungebundenen Distanz ein, die Schönheit ebenso leicht erzeugen kann wie Hässlichkeit. Es gibt mehr fesselnde Verwicklungen in der Handlung, als es der politische Rammbock-Ansatz vermuten lässt. Bären und das Cellospiel der Besitzerin der Brotfabrik spielen eine wichtige Rolle in der Geschichte. Als Zentrum des Films ist sie Teil des moralischen Dilemmas. Ihr scheinbarer Altruismus gegenüber den Einwanderern könnte ein Deckmantel sein, um das auszubeuten, was sie als billige Arbeitskräfte ansieht. Dieser Film ist nicht für jedermann geeignet. Es ist ein hart erkämpfter und kompromissloser Pessimismus, dem wir weder in Hollywood noch in den USA entkommen können. Wir können vielleicht kein amerikanisches Pendant finden, aber die Pathologien beider Länder sind sehr ähnlich.

Auftauchen

Foto: Festival de Cannes

Stellen Sie sich eine Satire über Kunst vor, mit all dem Wettbewerb, den Ressentiments und der Verzweiflung, die damit einhergehen. Und jetzt reduzieren Sie den Einsatz auf das, was Sie können. Michelle Williams könnte diese Rolle übernehmen, die die beste ihrer Karriere sein könnte. Als Nächstes reduzieren Sie die Menge an Action, die Sie aufrechterhalten können, ohne sie zu zerstören. Dies soll Zuschauer ansprechen, die Kelly Reichardts vorherigen Film First Cow nicht mochten. Dies ist die Geschichte eines exquisiten Porträts einer Frau, die darum kämpft, ihre Grenzen in einem Feld zu finden, das nicht mit ihr arbeiten zu wollen scheint. Williams ist eine brillante Bildhauerin, Lizzy Carr. Sie kämpft als Künstlerin am Oregon College of Art and Craft und versucht, ihre nächste Ausstellung auf den Weg zu bringen. Aber sie wird von ihrem Vermieter/Freund Hong Chau (der eher letzteres zu sein scheint) abgelenkt. Eine verletzte Taube braucht ihre ständige Aufmerksamkeit und Pflege, und die ruhige Herablassung ihres Gastkünstlers macht sie verrückt.

Reichardts tragischer Geniestreich besteht darin, dass er andeutet, dass Lizzy vielleicht nicht dafür geschaffen ist. Wenn die ungleichmäßige Erhitzung des Ofens nicht dazu führt, dass sie auf der anderen Seite verkohlt, werden ihre Skulpturen immer noch gut aussehen. Jud Hirsch ist ihr Vater, Maryann Plunkett leitet die Abteilung. John Magaro, Lizzys psychisch labiler Bruder, hat die Fähigkeit, sie zu inspirieren. Die kulminierende Ausstellung in der Galerie - obwohl das Wort "kulminierend" unangemessen ist, um einen Film zu beschreiben, der in seiner Westküsten-College-Stadt-Atmosphäre so unaufdringlich und entspannt ist - entfaltet sich wie eine sanfte Farce, in der sich die kleinen Demütigungen ihres Lebens aufeinander stapeln, während sie ihren Bruder anfaucht, er solle sich mit dem Gratis-Käse zurückhalten. Reichardt ist eine erfahrene Bard-Professorin. Ihr Humor über ihre persönlichen Umstände wirkt eher liebenswert als unhöflich. Außerdem schätzt sie jede Umgebung, die es unambitionierten Sonderlingen erlaubt, sich frei zu äußern.

"Die stummen Zwillinge"

Die beste Vorspannsequenz des Festivals gehört zu diesem Psychodrama von Polens bestgehütetem Geheimnis Agnieszka Smoczyńska, die damit einen erfolgreichen ersten Vorstoß in die englische Sprache unternimmt. Jeder Name wird laut vorgelesen und von zwei Mädchenstimmen kommentiert, die "Oh, das ist mein Lieblingsname!" schreien, wenn Michael Smiley auf der Leinwand erscheint. Das ist keine schlechte Nummer. Sie führt uns auch in die Welt von June Wright (Laetitia) Gibbons ein. Es handelt sich um zwei schwarze Frauen, die in den 1970er und 1980er Jahren in Wales lebten. Sie fühlten sich in einem überwiegend weißen Dorf fehl am Platz und suchten Zuflucht in den Beziehungen der anderen. Dies führte zu selektivem Mutismus, der schließlich dazu führte, dass sie sich von der Welt zurückzogen und in der Nervenheilanstalt Broadmoor landeten. Im Rahmen dieses Tatsachenberichts erkunden Smoczyńska und die Autorin Andrea Seigel die abnorme mentale Innerlichkeit der Mädchen und stellen sich vor, wie sich solche extremen Erfahrungen von innen heraus angefühlt haben könnten.

Die Mädchen waren von den Brüchen im Realismus begeistert, genau wie von ihrem Alltag. Die Stop-Motion-Sequenzen sind herrlich glatt und knisternd. Sie zeigen vogelköpfige Individuen, die durch Dimensionen von Filz und Krepppapier wandern, während die gelegentliche Musiknummer ihren inneren Aufruhr in griechischen Chören und deklarativer Sprache darstellt. (Das ist dasselbe wie in Smoczyńskas brillantem Killer-Meriden-Stripper-Spektakel The Lure aus Polen.) June und Jennifer wähnen sich in einem farbenfrohen Heiligtum, in dem alles in Ordnung ist und alles gut wird. Aber dann holt uns Smash in die reale Welt zurück. Nachdem die Mädchen mit Benzin vollgepumpt wurden, versuchen Sportskanonen, sie zu ficken. Wir können nur sehen, wie sich ihr Zustand verschlechtert und die Gerichte sie auseinander treiben. Eine Reihe von Rückwärtssaltos ist ein Kommentar zum Mangel an psychiatrischen Diensten in Großbritannien.

"Dreitausend Jahre Sehnsucht"

Bild: MGM/Courtesy Everett Collection

George Miller kehrt zurück an die Spitze von Mad Maxnowmit einem unwahrscheinlichen Märchen über ein Hotelzimmer zwischen Alithea Binnie, einer Erzählerin, und Idris Elba (bemerkenswert und wunderschön), der gerade aus einer versiegelten Flasche befreit wurde, die sie am Vortag in Istanbul gekauft hat. Sie wissen ja, wie es läuft: Er ist hier, um ihr drei Wünsche zu erfüllen, die sie nach Belieben einsetzen kann, aber da sie auch weiß, wie es läuft, zögert sie, in eine "Sei vorsichtig, was du dir wünschst"-Falle zu tappen. Er erzählt ihr eine wunderbare Geschichte aus seinem Leben, mit der er sie überzeugen will. Es ist ein erstaunliches CGI-Märchen mit mehr Fantasie pro Minute als jedes vergleichbare Studioprojekt. Magie, Tricks und Leidenschaft nehmen Sie mit auf eine Reise durch den alten Nahen Osten.

Diese erstaunliche Reise führt zu einem unerwarteten Ende, und sie finden sich in einer zarten Liebesgeschichte wieder. Durch die gemeinsame Freude am Geschichtenerzählen und Millers Struktur mit verschachtelten Geschichten brechen sie aus ihrer Isolation aus. In Alitheas Rede auf der akademischen Konferenz erklärt Miller, dass wir Mythologien schaffen, um die Welt um uns herum zu verstehen. Miller gelingt es, dieses Gefühl der Ehrfurcht in ein Zeitalter zu bringen, das von technologischem Wissen gezeichnet ist. Der Filmemacher ist kein Luddit, aber Liebhaber von visuellen Effekten werden den geschickten Einsatz von digitaler Verschönerung lieben.

Kriegspony".

Bild: Festival de Cannes

Riley Keough und Gina Gammell setzen sich gemeinsam auf den Regiestuhl, um einen positiven Start in die nächste Phase ihrer Karriere zu erleben. Die beiden haben bereits ein zweites gemeinsames Projekt in der Entwicklung. Die beiden haben sich jeglicher Hollywood-Eitelkeit entzogen und einen Lo-Fi-Blick auf das Pine Ridge Reservat in South Dakota geworfen, wo Stammesmitglieder der Oglala Lakota ihren Lebensunterhalt durch eigene Entscheidungen verdienen. Matho, der Junge aus der Gegend, und Bill, der ältere Teenager, stehlen, verkaufen und dealen mit Meth. Sie schuften auch in nahe gelegenen Fabriken und Truthahnfarmen und spielen mit der Aufzucht von Pudeln längere Spiele. Es ist schwer, viel zu tun, wenn es sonst nichts gibt. Das ist eine Tatsache, die der Film, der hauptsächlich aus jungen Leuten besteht, die versuchen, über die Runden zu kommen, klar versteht.

Das mag so klingen, als wollten Gammell und Keough die Armut romantisch verklären oder in die entgegengesetzte Richtung der Ausbeutung gehen. Aber das tun sie nicht. Sie fädeln geschickt eine Nadel ein, die die Not aufzeigt, ohne sich auf das Problem zu fixieren, und werden dabei von Bill Reddy, Franklin Sioux Bob und den Darstellern von Pine Ridge angeleitet. Diese Figuren müssen sich mit einer Menge Scheiße von den Erwachsenen um sie herum herum herumschlagen - Mathos sporadisch missbrauchender Vater, Bills weißer Arschloch-Boss -, aber wie Jugendliche im wirklichen Leben gleiten die Schwierigkeiten meist von ihnen ab, sobald sie wieder mit ihren Freunden abhängen und Unfug treiben können. Das transzendente Ende des Films bekräftigt seine grundlegende Absicht, Menschen zu feiern und zu stärken, die in einer Gesellschaft, die sie als Nichts betrachtet, an den Rand gedrängt werden. Der Brain Trust der Regisseure Keough/Gammell und ihre charismatischen Mitarbeiter werden bleiben. Sie sind die besten nicht-professionellen Schauspieler seit Chloe Zhaos The Rider.

Wie kann man Filme offline auf seinem Gerät ansehen?

Es gibt Tausende von Plattformen mit großartigen Funktionen, die über eine riesige Bibliothek mit fantastischen Fernsehsendungen, Filmen und Clips verfügen. Sie können lebenslang auf die Inhalte zugreifen, indem Sie Abonnementgebühren für diese Websites zahlen. Die bekanntesten Anwendungen sind die folgenden:

Netflix

Mit Milliarden von Mitgliedern steht Netflix an der Spitze mit der Vielfalt der besten 3D-Filme. Netflix bietet eine beeindruckende Bildqualität und eine Vielzahl aktueller Serien. Mit seiner Download-Funktion werden Sie nicht durch die Bildschirmbegrenzung belästigt werden.

Amazon Prime

Eine weitere erstaunliche Plattform, die exklusive Fernsehsendungen mit erstklassiger Videoqualität verspricht. Der Vorteil von Amazon Prime gegenüber Netflix ist, dass Sie die heruntergeladenen Filme auf jedem Gerät, einschließlich Mac, ansehen können, während es bei Netflix mühsam wird.

Disney Plus

Es handelt sich um einen On-Demand-Video-Streaming-Dienst, der Millionen von Fernsehsendungen und Filmen weltweit besitzt und vertreibt. Er umfasst eine endlose Sammlung von Videoinhalten von Marvel bis Pixar und National Geographic und ist damit die anspruchsvollste Plattform. Mit dem Android-Gerät und Windows können Sie sich mit den heruntergeladenen Inhalten nonstop unterhalten lassen.

Videos Downloader

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